ENTREVISTAS

Sharon Lockhart — El 13º Festival Márgenes de Madrid dedicó su retrospectiva a la artista y cineasta norteamericana

"Incluso en las películas en las que no hay lenguaje, como 'Lunch Break', 'Exit' O 'Eventide', se da a la gente una plataforma, un escenario para honrarlos", Sharon Lockhart.

Elena del Olmo

Sharon Lockhart durante la entrevista, en la planta superior de la Filmoteca Española, el 21 de noviembre de 2023

Abandonando cualquier convención del cine narrativo, la artista y cineasta americana Sharon Lockhart nos traslada al espacio de una cancha de baloncesto. Quietos, con un único plano que permanece fijo durante los sesenta minutos que dura el metraje, nos situamos frente al grupo de estudiantes mientras realizan las series de entrenamiento diarias. Compuesto por siete planos secuencias, la directora trabaja con una base observacional, que, como una mosca en la pared, captura unos instantes, previamente coreografiados, de la vida cotidiana de los sujetos. Reconfigurando el espacio y tiempo, con una composición de plano que dota de gran importancia al mundo que se extiende más allá de los límites de la lente, Lockhart pone el foco en el comportamiento humano. Con una mirada poética al presente, la cineasta depura la técnica fílmica hasta el primitivismo, difuminando la línea entre fotografía y cinematografía, dándose a lo sensorial y planteando una reflexión acerca del cuerpo y del espacio que habita.

La decimotercera edición del Festival Internacional de Cine Márgenes, volcado en el cine y las artes visuales contemporáneas, materializó la primera retrospectiva del trabajo cinematográfico de Lockhart. La convicción artística y la más pura libertad creativa que el festival lleva por bandera hizo de la visita de Lockhart una realidad. En la planta superior de la Filmoteca Española, la artista nos recibe, disculpándose por el jet lag que sobrelleva con un café en la mano, para conversar en calidad de cineasta sobre las perspectivas culturales, la experiencia sensorial del espectador y la construcción de una plataforma para las voces silenciadas.

«Cada película es diferente. Volviendo a una de las primeras, Goshogaoka, es sobre un deporte americano practicado en Japón. Es todo sobre estas rutinas repetitivas, ejercicios, tomados como movimientos cotidianos, aunque fueran coreografiados«. Y continúa: «Cuando rodé Goshogaoka pensaba en el cine etnográfico y me interesaba  hacer una película en otra cultura y ser un individuo americano mirando a otra cultura. Observar una cultura a través de un deporte estadounidense era lo que me interesaba y ficcionar, en un supuesto documental, esos ejercicios coreografiados, esas rutinas«. El cine etnográfico, de carácter documental, realiza un estudio en torno al área en la que se da un determinado comportamiento humano: la cancha de baloncesto en Goshogaoka, los patios de Lodz de Podwórka o los pasillos de Lunch Break son espacios donde, día a día, se reiteran una serie de movimientos, comportamientos, clave para un reflejo, y una posible disección, de la realidad de las jugadoras del equipo, de los niños polacos o de los trabajadores del astillero

En Teatro Amazonas, Lockhart propone un ejercicio en el que el espectador es consciente de la mirada ajena sobre él, de otro espectador que mira al frente, a la pantalla, igual que hace él. Abarcando lo performático, la artista explica: «Teatro Amazonas se hizo después de Goshogaoka, es casi como una continuación. Lleva al límite la idea de mirar a otra cultura, es una cultura mirando a otra, literalmente. Creo que todas mis películas tratan de que el público mire y sea parte activa de ellas, pero Teatro Amazonas es el siguiente nivel».

 

«RUDZIENKO FUE LA PRIMERA PELÍCULA QUE HICE CON DIÁLOGOS QUE ESTABA EN OTRO IDIOMA»

El trabajo llevado a cabo, mano a mano, con las jóvenes del Centro Juvenil de Socioterapia situado en Rudzienko, Polonia, señala el carácter colaborativo con el sujeto filmado como uno de los pilares de su cine. A través de una serie de talleres sobre la creación de diálogos y movimientos a partir de sus actividades diarias, Lockhart pinta un retrato de las identidades de estas jóvenes y la forma en la que habitan los bosques, caminos y prados que conforman el lugar. El lenguaje, uno indescifrable para la mayor parte de la audiencia, es un factor clave para la cineasta: «Rudzienko fue la primera película que hice con diálogos que estaba en otro idioma. Era muy importante para mí y para las jóvenes de la película que escucharan sus voces. En el cine, cuando ves una película y lees subtítulos en otro idioma, estás dividido entre el sonido, la lectura y la visión«. Conectando con su aproximación sincera, de frente, a otras culturas, explica: «Para escuchar cómo fluye y para prestar atención al cuerpo, al movimiento dentro del cuerpo, de la luz y del plano, probé diferentes formas de usar el texto y al final decidí hacerlo en silencio, con el diálogo desplazándose. De esa manera, cuando estás leyendo lo que las chicas están diciendo, realmente estás prestando atención a las palabras y a lo que cada palabra significa».

Es indiscutible el valor que otorga al fuera de campo, en el cual las acciones continúan siendo percibidas por el espectador a través del sonido, de las voces de las jóvenes, de las deportivas moviéndose por la cancha, o del rastrillo, durante el minucioso reparto del heno por el terreno en NО̄ (treinta minutos de metraje sobre el No-no Ikebana, técnica de arreglo floral japonesa que establece una poderosa conexión entre el agricultor y los materiales a su alcance). «Todos mis sujetos son muy conscientes de lo que es el encuadre y las acciones señaladas. Antes hablamos de mis ideas. Normalmente, las ideas están sacadas de cosas que he visto o gestos que he visto o cosas que han dicho, así que es algo que sale directamente de ellos, pero hablo constantemente con ellos mientras filmo, les doy muchas indicaciones. Otras veces preparo algo y sé lo que va a hacer el sujeto y espero a que suceda, es diferente para cada película y para cada sujeto».

Este proceso de creación funciona desde la más silenciosa observación, confiando en los procesos naturales de comportamiento humano, hasta la más ruidosa dirección: «Cuánto más dirijo y más coreografío, más hablo, así que todo el sonido de la película está diseñado para que parezca natural. También hablo con el público a través de mis películas«. El cine de Lockhart, inmersivo, poético, propone una simbiosis multidisciplinar en la que imagen, sonido y texto poseen el mismo peso dentro del mecanismo fílmico.

«Mi cine es todo sobre las mujeres» afirma Lockhart, mientras rememora el rodaje de Rudzienko: «Con Rudzienko, por ejemplo, se trata sin duda de sus voces y de ser mujeres jóvenes en Polonia, especialmente. Creo que incluso en las películas en las que no hay lenguaje, como Lunch break, Exit o Eventide, se da a la gente una plataforma, un escenario si se quiere, para honrarles, y no tiene por qué tratarse de palabras, sino de una postura, sobre una posición, incluso sobre quién es esta persona. Se trata de prestar atención a alguien«. Así nos despide una artista que crea un lenguaje propio, abriendo vías de exploración, descubrimiento y reflexión de las actividades mecánicas, los tiempos muertos y el lugar que ocupan los cuerpos en los espacios colectivos e individuales. Nuestra postura frente al tiempo presente es lo valioso para Lockhart, cada cinta una ventana que nos permite habitar, desde nuestra butaca, el espacio de juego de dos niños polacos o el pasillo en el que una trabajadora realiza una pausa para almorzar.

DIRECTORAS ENTREVISTA Sharon Lockhart

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