FESTIVALES

Americana 2024 — De mujeres indestructibles

En la 11.ª edición del festival de cine independiente norteamericano de Barcelona, dos de los premios más relevantes se los han llevado filmes dirigidos por mujeres: 'Showing Up' de Kelly Reichardt y 'Sometimes I Think About Dying' de Rachel Lambert.

Belit Lago

Del 5 al 10 de marzo tuvo lugar Americana, que divide su programación en tres grandes bloques: la sección NEXT, donde descubrimos primeras o segundas obras de autoría menos conocida, la TOPS, con películas de cineastas con trayectorias ya consolidadas dentro del panorama indie, y la DOCS, dedicada a la no ficción. El festival se ha celebrado principalmente entre los Cines Girona y el Espacio Texas, aunque también ha habido sesiones en otras salas de la ciudad como el Phenomena, el Zumzeig o la Filmoteca de Catalunya.

La mirada femenina asomaba sutilmente la cabeza entre un buen puñado de producciones dirigidas por hombres: de las 55 propuestas, sólo 11 estaban realizadas por mujeres. Ante esta flagrante diferencia, que nos vuelve a recordar que la paridad en la programación de festivales sigue siendo un hito pendiente, una retahíla de protagonistas femeninas han inundado muchas de las obras presentes. Es el caso de, entre otros, The Beast (Bertrand Bonello), distopia que combina tiempos pasados con el presente, con la que Léa Seydoux ganó el premio a mejor actriz en la SEMINCI, Fremont (Babak Jalali), nominada a los BIFA a mejor película internacional, o el cortometraje Endless Sea (Sam Shainberg), que se ha llevado uno de los premios del público esta edición.

LA MIRADA FEMENINA ASOMABA SUTILMENTE LA CABEZA ENTRE UN BUEN PUÑADO DE PRODUCCIONES DIRIGIDAS POR HOMBRES: DE LAS 55 PROPUESTAS, SÓLO 11 ESTABAN REALIZADAS POR MUJERES.

Sección Tops: Resiliencias

La cuarta colaboración entre la directora de Wendy y Lucy (2008) y su intérprete principal corrobora la química que existe entre estas dos artistas excepcionales. En Showing Up, Michelle Williams es Lizzy, una escultora que prepara su próxima exposición, pero a quien las circunstancias no paran de entorpecer su proceso creativo. Si bien está demasiado preocupada por el bienestar de los hombres de su familia y ocupa el rol de curas que la sociedad patriarcal nos ha impuesto a las hijas, madres y hermanas, al mismo tiempo se aleja de la figura de joven simpática y complaciente que el mismo sistema espera de nosotras. Lizzy nunca está de buen humor, y el hecho de que la gente que la rodea profese su felicidad es algo que le enerva profundamente. La situación tampoco la acompaña: al estrés de la inauguración inminente, se le suman una serie de hechos que la trastocan, como la relación de competitividad que surge con su vecina Jo (Hong Chau). La última película de Kelly Reichardt crece sustancialmente en su manera de mostrar cómo la crisis personal afecta a la artista, poniendo el foco en los detalles y apostando por la depuración estética que caracteriza la filmografía de la cineasta. 

La cantante y actriz Teyana Taylor se convierte en el centro absoluto del primer largometraje de A.V. Rockwell, un melodrama de supervivencia donde Inez, una madre joven que acaba de salir de la prisión, lucha contra las precariedades de la incerteza laboral y la falta absoluta de recursos con el objetivo de que su hijo tenga las oportunidades que ella nunca conoció. A Thousand and One es el retrato visceral de una relación maternofilial que evoluciona a lo largo de los años, donde vemos cómo Terry se va haciendo mayor en una Nueva York en constante movimiento. La determinación de la protagonista se convierte en el motor de un film que, si bien no es innovador en su voluntad de mostrar la realidad de los barrios marginales como Harlem, afectados por la violencia y la gentrificación, cuenta con la portentosa fotografía de Eric Yue (I Saw the TV Glow de Jane Schoenbrun), que nos acerca a las calles periféricas de la ciudad desde un realismo crudo y honesto.

Sección Next: Inestabilidades

Ally Pankiw, creadora de la serie Feel Good (2020), presentaba I Used to Be Funny con una Rachel Sennott que servía como reclamo para un público que la recuerda de películas como Bodies, bodies, bodies (Halina Reijn), presente en el Americana del año pasado, o Shiva Baby (Emma Seligman). Sennot interpreta a Sam, una joven comediante que sufre estrés postraumático después de una vivencia dolorosa. El film se centra en la importancia que tienen las curas para alguien que siente que su salud mental es un problema para su entorno. La intérprete, que hasta ahora ha demostrado un gran carisma delante de la cámara, caracteriza a la perfección la sinergia entre humor y drama sobre la que se construye esta ópera prima. La representación de la fragilidad, sostenida en el vacío existencial, el aburrimiento y la dilación del tiempo, se contrapone en las escenas más dinámicas donde vemos a la Sam del pasado, a través del uso recurrente del flashback para explicar qué fue lo que la llevó a la situación de apatía actual. A pesar de un final quizás demasiado edulcorado, I Used to Be Funny se las apaña dignamente en esta peripecia de unir resolutivamente la oscuridad de la desgracia personal con el equilibrio de una vis cómica indispensable.

Daisy Ridley, Rey en la saga de Star Wars, protagoniza una dramedy contemporánea completamente alejada del universo de George Lucas. Sometimes I Think about Dying (Rachel Lambert), que ganó el premio del jurado joven, retrata las dificultades relacionales de una joven que utiliza la imaginación para escapar del mundo terrenal. Pensamientos intrusivos invaden puntualmente su cabeza, en contraposición al aburrimiento abismal que define su existencia. Basada en la obra de teatro Killers (Kevin Armento), define visualmente la cara opuesta a la exaltación. Fran, que trabaja en una oficina, es incapaz de mostrar cualquier tipo de emoción, hasta que un nuevo compañero de trabajo consigue mover algo dentro de ella, cosa que la lleva a buscar estrategias para demostrar su interés. Un film sencillo en apariencia, pero profundo en su discurso y singular en la concepción del mundo interior de la protagonista.

Sección Docs: Celebración

La productora musical D. Smith debuta en el mundo cinematográfico con el documental Kokomo City, película que dirige, escribe y también se encarga de la fotografía. Un juego de formatos en el que se mezclan entrevistas, recreaciones de las anécdotas que se explican y el uso de la pantalla partida. Daniella, Dominique, Liyah y Koko son cuatro trabajadoras sexuales trans negras que se desnudan ante la cámara con el objetivo de hacernos partícipes de su realidad: aventuras agridulces que dinamitan el estigma social y nos acercan, a través de testimonios en primera persona, a la experiencia de ser prostituta transgénero dentro de la comunidad afrodescendente de Estados Unidos. Ganadora del premio del público de la sección Panorama del Festival de Berlín, esta potente producción celebra también el coraje de estas mujeres, construyendo un relato visualmente exquisito, filmado en blanco y negro, donde ellas ocupan el centro total de las miradas. El magnetismo que desprenden se suma a la total libertad de expresión, que termina configurando una pieza honesta, entretenida y muy necesaria, no sólo por sus cualidades formales, sino también por el peso de un discurso profundo narrado con inteligencia.

A.V. Rockwell Ally Pankiw Americana D. Smith FESTIVAL Kelly Reichardt Rachel Lambert

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